Resumen Clase #13

Semio --> signos

Semio - logía --> Saussure (Francia)
Semio - tica --> discutir sobre los signos. Pierce (EEUU)

Para Saussure

• el signo se divide en: significante y significado 

Para Pierce 

• el signo se divide en: representamen, objeto e interpretante 
• Es más empirista, no hay absolutos 
• Anuncia la posmodernidad 

Icono --> representamen = objeto: relacion de semejanza al objeto 

Indice --> representamen >>> objeto: indica al objeto sin mostrarlo 

Simbolo --> representamen + objeto: mediante un objeto, ya que no es igual a este 

Jason Sullivan - Olvidos

Indice: formas rectangulares que han dejado una huella, me parece que existe una relación física con un objeto. La huela negra me indica que hubieron cuadros, o fotografías en ese espacio 

Signo: Un semi-hueco, me remite a lo femenino, específicamente a una vagina. Me parece que sustituye a esta parte del cuerpo de una mujer 

Thomas Ruff

Encontramos una imagen horizontal con formato rectangular. Es a color y parece ser un soporte de película análoga, y no digital. Los bordes de los elementos dentro de la fotografía no están bien definidos, lo que nos da a entender que se usó una técnica de barrido, ésta da una sensación de dinamismo y movimiento.

Hay una línea horizontal formada por una edificación rectangular angosta. Esta divide la imagen en dos partes, inferior y superior. La edificación está en el eje horizontal. También hay una línea conformada por la parte de color verde en la imagen, otra formada por la parte amarillo-marrón, y finalmente la parte superior de color rosa pálido. Es así que se forman 4 bloques en la fotografía, diferenciados, básicamente por el color.

La fotografía pertenece a Thomas Ruff, fotógrafo alemán, nacido en 1958. Perteneció a la escuela de Düsseldorf, dirigida por Bernd y Hilla Becher. Estudió con Candida Höffer, Andreas Gursky, Thomas Struth entre otros. La fotografía se llama Barcelona Pavilion, pertenece a la serie de fotografías M.V.D.R, titulada con las iniciales del arquitecto del siglo XX, Mies van Der Rohe. En muchas entrevistas Ruff ha afirmado que deseaba combinar la arquitectura del pasado, con técnicas digitales de fotografía contemporánea.

En este caso, encontramos que ha usado el barrido como técnica para que no se convierta en un mero registro visual de la construcción. La obra del arquitecto está regada por todo Estados Unidos, y se deseaba hacer una serie con sus construcciones. Ruff decidió que iba a hacer de esta arquitectura suya, a través de la fotografía. Es por eso que en esta serie podemos encontrar muchas otras fotografías modificadas digitalmente, pasando así, a ser fotografías al estilo del artista.

Luis Buñuel - Un chien andalou

Es un corto surrealista de mas o menos 15 minutos, dirigido y escrito por Luis Buñuel en 1929, que se mostró por primera vez en París, Francia. La inspiración de este cortometraje provino de dos sueños, de Salvador Dalí y Buñuel, que soñaron con hormigas y una navaja que cortaba un ojo, respectivamente. 

Lo onírico y lo surrealista son unas constantes en el corto, remitiendose constantemente a situaciones poco probables en un "mundo real". Los símbolos son un recurso muy usado por Buñuel, que con ayuda de los planos y encuadres que hace a cada uno, les da una relevancia muy grande a cada uno, los siguientes son algunos símbolos encontrados en la película 

La luna y la nube

El ojo

Hombre vestido de monja

Caja

La encajera, obra del artista Johannes Vermeer. 

Hormigas

La mano

Axila velluda

El erizo 

Los senos

Los monjes

Tablas de piedra

Pianos

Animales en putrefacción

Timbre

Botella de metal

Labial

Playa

Personajes enterrados

Un recuerdo infantil de Leonardo Da Vinci - Freud

La Gioconda

Leda y el cisne

La última cena

San Juan Bautista 1508-1513

Resumen Clase #10

Da Vinci --> el arte es una idea (una cosa mental --> de una idea más que de lo tangible)
Freud --> el arte como algo antropológico

Signo:

• significado --> contenido latente 
• significante --> contenido manifiesto del sueño (imágenes, situaciones, metáforas, analogías)

Libre asociación de ideas 

• hipnotismo --> ideas automáticas
• interpretación de los signos
• historia clínica del analizado 
• relación a la revelación 

Tarea - Artistas y sus obras (Lectura de Eco)

Richard Lippold (1915-2002): escultor americano. 

Luna Llena 

Naum Gabo (1890-1977): escultor ruso: constructivismo.

Linear construction in space #2

Alexander Calder (1898 - 1976): escultor americano.

Mobile 1

JEAN Dubuffet (1901 - 1985) : pintor y escultor francés.

Coucou Bazar

JEAN Fautrier (1898 1964): pintor y escultor francés.

Les Tranches Dorange (1944)

Camille Bryen (1907-1977): pintora y poeta francesa.

#21

George Mathieu (1921-2012)

Bruno Munari (1907-1998): artista y diseñador italiano

Jackson Pollock (1912-1956): artista americano

Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-1951): pintor y fotógrafo alemán

Resumen Clase #6

IRVING PENN Y MAPPLETHORPE

• Formato, encuadre, lineas, curvas, tensión, fluidez, composición, textura, volumen 
• Penn: 
• contrastes altos 
• Textura: cómo nos da la sensación de que lo podemos tocar 
• Mapplethorpe: 
• contrastes bajos 
• Volumen 
• vuelve reverente lo irreverente 
• genera una lectura polisemica 

Resumen Clase #7

LA OBRA ABIERTA -Umberto Eco

• Hay pequeñas señales que nos dicen distintas cosas
• Tenemos que diferenciar entre significado y significante 
• Imagen: Picasso --> Grafismo (2 dimensiones), no sugiere volumen 
• La obra abierta es POLISEMICA: es decir, que tiene muchos significados, que en su conjunto es todo a la vez
• La voluntad vs las intenciones de la obra (la voluntad) 
• Lo informal 
• una forma no bien definida
• que no sabemos que representa lo que ejemplifica
• todo es bastante más perdido
• se pierden las nociones de correlación entre los elementos de la obra 
• hay movimiento que se va generando desde la obra, desde los ojos, sin necesidad de RECONOCER las formas que existen. Pero el ojo humano siempre trata de dar orden a todo, por eso intentamos dar orden a algo que no lo tiene.
• El movimiento deshace las formas 
• que no tiene una forma clara y reconocible
• que hay una pérdida de reconocimiento 
• A partir de la confusión generada por el poco reconocimiento nuestro cerebro crea el movimiento en la imagen. 

Resumen - La obra abierta en las artes visuales

Juan Bautista de Espinosa

Pablo Picasso - Botella y vaso de vino en la mesa 1912

Notas:

• La obra abierta es la que se presta a distintas y variables “lecturas” es decir a distintas interpretaciones sobre la misma.

• Lo informal pictórico podría verse como el ultimo eslabón de una cadena de experimentos dirigidos a introducir cierto “movimiento” en el interior de la obra

• El movimiento no involucraba la estructura de la obra, la naturaleza misma del signo à movimiento en el sentido que por ejemplo, la composición le da este “dinamismo” a la imagen

• El ojo esta siempre determinado a reconocer aquellas y no otras, formas à es decir, que estamos pre-determinados a discriminar lo que vemos. Nuestro cerebro no es capaz de absorber y procesar todo lo que nuestros ojos reciben, vemos lo que “queremos ver”

• Por ejemplo à el futurismo y el cubismoà se permite la movilidad precisamente por la estabilidad de las formas asumidas como punto de partida (líneas, rectas, etc.) confirmadas de nuevo en el momento en que se niegan a través de la deformación o la descomposición

• “La apertura de la obra” à Cómo la obra esta compuesta de diferentes formas, que de cómo resultado algo subjetivo y que se pueda observar de modos distintos (perspectiva).

• La perspectiva à tiene varias partes que la compone, pero llegan siempre a un resultado común, se complementan y son acumulativos.

• La forma completa se reconstruye poco a poco en la memoria y en la imaginación.

• Los signos se componen como constelaciones en que la relacion estructural no está determinada, desde el inicio, de modo unívoco, en que la ambigüedad del signo no es llevada de nuevo (como en los impresionistas) a una confirmación final de la distinción entre forma y fondo, sino que el fondo mismo se convierte en tema del cuadro.

• El background cultural à que las obras, para manisfestar de modo acuciante una visión implícita del mundo y los vínculos con toda una situación de la cultura contemporánea, deben satisfacer, por los menos en parte, las condiciones indispensables del particular discurso comunicativo que se suele definir como “estético”

• Las posibilidades de lectura de las obras à que examina las condiciones de comunicación elementales sobre cuya base se puede luego plantear una comunicatividad más rica y profunda, caracterizada por una fusión orgánica de múltiples elementos que es propia del valor estético.

• Es un acto de autoconciencia de los mismos artistas que traicionan, en el mismo vocabulario que utilizan para las declaraciones de su poética, las influencias culturales antes las cuales reaccionan 

• La obra abierta sugiere un modo de ver aquello en que se vive y viéndolo, aceptarlo, integrarlo a la propia sensibilidad

• Información y significado
• El significado de un mensaje se establece en proporción al orden, a lo convencional, y por tanto, a la redundancia de la estructura
• La comunicación de uso practico
• El valor de la información à la riqueza no reducida de posibles significados. Este es el caso de la comunicación artística
•  El arte clásico tiene en el fondo a reconfirmar las estructuras aceptadas. Aun cuando hacen arte de modo original, redunda
• El arte contemporáneo tiene como uno de sus obejticos principales la ruptura intencionada de las leyes de probabilidad que rigen el discurso común.
• Posibilidad de interpretaciones, serie de sugerencias
• Que no existen tendencias privilegiadas

• Informal quiere decir negación de las formas clásicas de dirección unívoca, no abandono de la forma como condición base de la comunicación. El ejemplo de lo informal, como de toda obra abierta, nos llevará, pues, no a decretar la muerte de la forma, sino a una noción más articulada del concepto de forma, la forma como campo de posibilidades

Irving Penn - Robert Mapplethorpe

Gasa Blanca, 1984, Robert Mapplethorpe

Miles Davis, 1986, Irving Penn

Gasa Blanca es una imagen del artista estadounidense Robert Mapplethorpe (1946-1989). El artista creó un estilo completamente innovador para su época, tanto en los temas que elegía como en la técnica. Mapplethorpe introdujo conceptos sobre sensualidad y erotismo de una manera en la que nadie se habia atrevido, capturó escenas sexuales explícitas, desnudos, retratos, etc. A pesar de que el tema podría llegar a implicar lo violento y el shock, Mapplethorpe, a través de su mirada, hizo imágenes clásicas y bellas del cuerpo humano.

Mientras que el retrato de Miles Davis, es del artista estadounidense, Irving Penn (1917-2009). Este fotógrafo se caracterizó por su limpieza y teatralidad en las imágenes que hacía. Re-formuló lo que significaba hacer portadas para revistas de moda, sus capturas estaban llenas de limpieza y sencillez.

Análisis:

• Las dos imágenes son retratos frontales en blanco y negro. La primera tiene bajo contraste mientras que la segunda tiene un contraste mayor. 
• La imagen de Mapplethorpe tiene un fondo gris claro, mientras que la de Penn tiene un fondo oscuro. 
• El encuadre de Penn es mucho más cerrado que el de Mapplethorpe. Pero, el encuadre de Mapplethorpe cuenta con dos sujetos mientras que el de Penn sólo con uno. 
• El peso de la imagen de Penn se va a la derecha, mientras que la primera imagen tiene el peso en el centro. 
• Los formatos de las dos imágenes son cuadrados. 
• Las formas orgánicas del rostro hace que la composición de Penn sea un poco más dinámica, mientras que la composición de Mapplethorpe es más estática pues los sujetos están ubicados perfectamente en los ejes centrales.  

Resumen #5

FASCISMO

• Ideología y movimiento político que surgió en entreguerras
• De fascio (haz en italiano)
• Origen izquierdista
• Benito Mussolini (1883-1945) “Duce” à Italia
• Adolf Hitler (1889-1945) à Patido Nacionalsocialista, ascenso al poder en 1933. Fundó el III Reich
• Franco (1892-1975) à España, líder de Falange Española Tradicionalista. 39 años de dictadura

Análisis de Imágenes

Leni Riefenshtal, Mitin en Nuremberg (Triumph of the Will)

Triumph of the Will

• Película de Leni Riefenshtal (1902 -2003): directora, fotógrafa, bailarina, y actriz. Vida polémica por su relación con el partido nazi y su accionar durante la II Guerra Mundial
• Documenta el congreso del partido nazi en Nuremberg en 1934
• Es una foto captura de la película 

Risas infantiles, 1930, Alexander Rodchenko

Risas Infantiles, 1930

• Alexandr Rodchenko (1891-1956): pintor, escultor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso.
• fundador del constructivismo ruso: "fue un arte consistente en objetos construidos sin referencia a un tema. Eran elementos abstractos, frecuentemente tecnológicos creados por el hombre" (Bamberg, Matthew) 

• Rusia de Rodchenko: 
• Zar Nicolas II, fracasos militares y sociales (Guerra contra Japón y Domingo sangriento) 
• Revolución de Octubre 1917
• Guerra Civil 1918: bolcheviques vs. burgueses 
• 1922: se unifican las repúblicas soviéticas y se forma la URSS
• Lenin asume el poder hasta su muerte en 1924 
• Luego llega Stalin
• Los artistas junto con científicos y técnicos se suman a las luchas agrarias y obreras
• Los artistas se convierten en productores (productivismo) y luego en constructores (constructivismo) de realidades visuales: la fotografía les otorga una nueva forma de mirar el mundo 

Comparación:

• Las dos imágenes son en blanco y negro, con un contraste similar
• La primera es horizontal y la segunda vertical 
• La primera muestra un mitin en Nuremberg y la segunda es una imagen de niños con banderas
• La foto del fascismo alemán es con angulo frontal, mientras que la foto de Rodchenko es un angulo contrapicado y diagonal.  El uso de las rectas, en la primera imagen,  es amplio lo cual le da equilibrio y rigidez; cuando en la segunda la diagonal le da dinamismo. También se usan los rectángulos equilibrada, en la primera, y en la segunda se usa un triángulo como para dar aún más movimiento a la imagen
• Mientras que en la primera imagen, se representa al pueblo como una masa irreconocible y Hitler es el protagonista.  En la imagen de Rodchenko, el pueblo tiene un rostro que llega a ser el principal de su imagen, de una u otra manera le da identidad a la población sovietica
• Rodchenko siempre trató de mostrar un angulo distinto del pueblo para que ellos mismo pudieran ver de otra manera, creo que en esta imagen logró hacerlo, mostrando a un grupo de niños. 

Resumen #4

Esteticismo de la política à exaltación de la belleza de la política

Politización del arte à “agit-prop”: agitación de la propaganda, fue un método usado por los comunistas.

Analizamos dos imágenes:

Imagen 1: Triumph of the will

• En blanco y negro
• Formato cuadrado à nos indica que es estatico
• La esvástica à forma geométrica y forma orgánica
• Eje de simetría
• Contexto: 1934à ascenso al poder de Hitler
• Cámara centrada
• La masa es la protagonista de toda la imagen

Imagen 2: Rodchenko

• Tema: la dinámica de la imagen
• Contraste: alto
• Hay un punto de fuga que está fuera de la imagen
• Desequilibrio, contrapunto, dinamismo
• Angulo de la cámara à 45 grados y contrapicado
• El horizonte y la forma geométrica está en diagonal
• Existe una equivalencia entre el cielo y el suelo
• ¿Dónde está el peso? à a la izquierda superior à parece que está caído
• ¿Cómo se relacionan los personajes? à rectángulos y cuadrados. Están uniformados, son masas grises (correspondencia antinómica)
• ¿Qué muestra? à se cae el poder, que el gobierno comunista venció al zarismo, el futuro son las fábricas (horizontes), el pasado se cae. 

Rodchenko

• Dirigía la escuela de arte de Moscú
• Era el que más creía en la utopia del comunismo
• Lo exilian (Periodo de Stalin)
• Realismo socialista à simétrico, impresionar con el esfuerzo de guerra, el líder domina a los demás, existen las jerarquías.
• Constructivismo ruso à movimiento de artista, marcó la historia del grafismo, es geométrico, desequilibrado y dinámico. En arquitectura: el peso arriba y lo más ligero abajo

Tarea: Walter Benjamin y Guy Debord

Fascismo

Comunismo

Resumen Clase #2

En esta clase, primero abordamos la película y el texto de “La sociedad del espectáculo” de Guy Debord.

Hablamos de cómo a través de las imágenes que usa en la película, Debord, “desjerarquiza” lo jerarquizado, es decir pone en el mismo nivel de poder o de status a personas, objetos, estereotipos, políticos, etc., para demostrar que en esa época significan o representan a una sociedad que no se da cuenta de lo que consume a través de imágenes. A esto le podemos dar el nombre de “teoría de las imágenes” o “economía de las imágenes”.

También, notamos la relación o reinterpretación de muchas teorías de Marx. Este propone una enajenación del trabajo y la alienación del productor hacia la mercancía que produce. Mas o menos, Debord, toma esta teoría para hablarnos sobre que actualmente la sociedad vive en una enajenación de las imágenes. Es decir, la imagen o representación que existe en nuestra sociedad, que nosotros producimos, es completamente separada de nosotros. Pero al mismo tiempo, no logramos disociarnos de las imágenes.

Luego, nos empezamos a preguntar sobre ¿quién hace la imagen? ¿qué distancia hay entre nosotros y la imagen? ¿desde dónde se habla? El receptor cobra más importancia, mira las imágenes desde lo que él sabe y lo que no sabe. Es decir desde el contexto consciente e inconsciente en el que vive, su bagaje cultural, lo que lo rodea, los problemas o situaciones por las que a travesado (guerras, traumas, etc.), su religión, todo con lo que crecemos influye al momento de ver una imagen. Lo mismo sucede con el productor, crea desde lo que sabe y lo que no sabe, es inevitable que esto suceda, pues lo que nos define, finalmente, es lo que hemos absorbido a lo largo de nuestras vidas. A partir de que ahora podemos mantenernos más conectados (internet) surgen nuevas mentalidades relacionadas al contexto, tenemos más información.

Actualmente, la noción del individuo, mas o menos, representa la noción del poder. Antes, el productor o autor de una obra, era el que más importancia tenía. Con el nacimiento de la imprenta, el autor tuvo un papel protagónico, su firma era necesaria para las obras que hacía. Sin embargo, ahora, el autor moderno se preocupa más por quién está mirando lo que produce.